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Die Musik von Gustav Klimt

Musik, Farbe und Allegorien in Gustav Klimts Die Musik I

Cristina Mura

Musician
4th February 2021

Die Welt der Kunstgeschichte hat an sich schon eine Faszination und Anziehungskraft für diejenigen, die wie ich nicht aufhören können, immer wieder neue - und weniger bekannte - Werke berühmter Maler zu entdecken. Es gibt in der Tat einige ihrer Werke, ausgehend von einfachen Entwürfen, die unser Interesse verdienen, so wie die, die ich in diesem Artikel vorstellen werde. Natürlich geht dieser Forschungsarbeit immer ein sorgfältiges Studium der berühmtesten Gemälde voraus, derjenigen, die den betreffenden Künstler charakterisieren und ihn in den Augen der Welt repräsentieren.

Hier ist das Werk "Die Musik I" von Gustav Klimt.


Gustav Klimt: leben

Gustav Klimt war ein österreichischer Maler und einer der bedeutendsten Künstler der Wiener Secession.


Klimt wurde 1862 in einem Vorort von Wien als zweites von sieben Geschwistern geboren: Sein Vater, Ernst Klimt, war Goldschmied, seine Mutter, Anna Finster, war eine gebildete Frau und Opernsängerin. Nach dem Besuch der Volksschule wurde Klimt an der Österreichischen Kunstgewerbeschule aufgenommen, wo er bis 1883 angewandte Kunst studierte.


Er war 1897 Gründungsmitglied und maßgeblicher Präsident der Wiener Secession und ihrer Zeitschrift Ver Sacrum. Ihr Symbol war Pallas Athene, die griechische Göttin der Weisheit und der Künste. Die Ziele der Wiener Secession waren, eine Plattform für die Ausstellung unkonventioneller junger Künstler zu bieten und die Werke der besten ausländischen Künstler nach Wien zu holen. Der Verein richtete sich an alle Arten von Künstlern, einschließlich Realisten, Naturalisten und Abstrakte.


"Das Symbol des Secessionismus war Pallas Athene, die griechische Göttin der Weisheit und der guten Sache, die Klimt in einem seiner Meisterwerke darstellen würde."

In Klimts Leben lassen sich zwei wichtige Phasen unterscheiden:


Klimts "goldene" oder "goldene" Periode, gekennzeichnet durch die Dominanz des Goldes, die ausgeprägte Zweidimensionalität, die Verwendung schwangerer Symbolik und die Vorherrschaft weiblicher Figuren. Zahlreiche Werke des Wiener Künstlers gehören zum Goldenen Zeitalter: "Die drei Lebensalter der Frau" (1905), "Danae" (1907-1908) und "Der Baum des Lebens" (1905-1909).


Die "reife Periode" (oder "dritte Klimt-Phase", auch bekannt als "Blütezeit") Die "reife Periode" (oder "dritte Klimtsche Phase", auch "Blütezeit" genannt) des Künstlers kam nach der Niederschrift von "Judith II", in der Klimt eine existenzielle und künstlerische Krise durchlebte: Er begann, die Legitimität seiner eigenen Kunst in Frage zu stellen, vor allem, als er mit der Produktion von Künstlern wie Van Gogh und Matisse in Berührung kam. Stilistisch zeichnet er sich durch die Verschmelzung dieser Einflüsse und den Verzicht auf Goldpracht und elegante Jugendstillinien aus.


Klimt im Palais Dumba

Hier kommt der Auftraggeber des fraglichen Werkes ins Spiel: der liberale Industrielle Nicolaus Dumba, der ein typisches Wiener Bürgertum des späten 19. Jahrhunderts repräsentierte. Die üppige Pracht seines Palais an der Wiener Ringstraße und seine reiche Kunst- und Antiquitätensammlung zeugen von einem selbstbewussten Großbürgertum, das sich einem aristokratischen Lebensstil zugewandt hatte.


Als griechischer Magnat und Kunstmäzen beauftragte Nikolaus Dumba Hans Makart mit der Einrichtung seines Ateliers und später auch Franz Matsch mit der Gestaltung des Speisezimmers. Gustav Klimt war für die Gestaltung und Dekoration des Musikzimmers in seinem Palais verantwortlich. Er schuf zwei Werke: "Musik" und "Schubert am Klavier".


"Leider sind beide Werke 1945 im Schloss Immendorf verbrannt und nur die beiden Entwürfe sind erhalten geblieben."

Die Musik I

Im Inneren des Palais Dumba war "Die Musik" für die Oberseite der Tür des Musikzimmers vorgesehen, eine Sonderanfertigung, gestaltet wie eine Übertür. Es handelt sich um eine 37 x 44,5 cm große Öl-Leinwand, die 1895 gemalt wurde. Es ist eines der frühesten Gemälde Klimts und wurde im Jugendstil oder frühen Jugendstil gemalt, der am Ende des 19.


Es handelt sich also um einen Entwurf dessen, was später für den Palast bestimmt sein sollte, bekannt als "Die Musik II".


"Das Werk Die Musik ist eine allegorische Darstellung der Musik."

Die zentrale Figur ist eine Frau auf der linken Seite, die eine goldene Leier (Kithara) spielt. Ihre Figur ist im Profil und als Halbbüste dargestellt und steht vor einer ockerfarbenen Brüstung, auf der zwei antike Skulpturen zu sehen sind.


Zu seiner Rechten ist eine Sphinx (mit dem Körper eines Löwen und dem Kopf einer Frau) dargestellt, eine Figur aus der ägyptischen Mythologie, die die intellektuelle Welt (den menschlichen Teil) und die instinktive (den tierischen Teil) vereint.


Auf der gegenüberliegenden Seite ist die Maske des Silenus, Sohn des Gottes Pan, dargestellt. Er ist auch bekannt als der Wächter des Dionysos, der mit der ursprünglichen und wilden Gestalt. Es ist kein Zufall, dass die beiden mythologischen Figuren miteinander verglichen werden.


Hinter dem Mädchen schweben kleine leuchtende Kugeln in der Luft: Es sind die Knospen der Löwenzahnpflanze, Symbole für Wissen und neue Ideen, da sie beim kleinsten Windstoß in die Luft gehen und sich überall verbreiten.


Zentrales Thema der Oper ist die Musik, die die philosophischen Ideen von Schopenhauer, Nietzsche und dem Komponisten Richard Wagner aufgreift, der sie als "die allen anderen überlegene Kunstform ansah, da sie die einzige ist, die bestimmte Botschaften ohne den Gebrauch von Worten oder Bildern auslösen kann."


"Musik wurde als die allen anderen überlegene Kunstform angesehen."

Allegorien, zu interpretieren

Typisch für Klimts Malerei war das Werk dekorativ und allegorisch: Er interpretierte viele Einflüsse in seinen Gemälden, darunter die klassische griechische, minoische und ägyptische Mythologie.


Schauen wir uns die Symbole in diesem Werk genauer an.


"Die Leier ist ein Symbol für Musik."

Es handelt sich hier also um eine Einladung zur Ausdrucksfreiheit, die für einen Künstler, aber vor allem für den Menschen grundlegend ist, der das Recht hat, seine intimste Ausdruckskraft auszudrücken und ihr eine Stimme zu geben.


"Die Pusteblumen in der Mitte stehen für die Ausbreitung von neuen Ideen."

Kunst als Vehikel der Neuheit, als Brennpunkt neuer Gedanken, als Essenz für den Menschen.


"Die Sphinx ist ein Symbol der künstlerischen Freiheit."

Ich persönlich habe das Werk, dessen Beschreibung ich gerade gegeben habe, fast zufällig entdeckt. Wie bei allen Werken Klimts hat mich sein Strich, die Wahl der Farben und sicherlich auch das Thema (!) sehr beeindruckt...


Es ist in der Tat so schockierend zu erkennen, wie sehr ein Maler, der sich mit visueller Kunst beschäftigt, ein Paralleluniversum erschaffen kann, das sich hinter seinen Werken verbirgt und das wir als Betrachter durch Beobachtung und konsequente Reflexion suchen müssen. Kunst ist jederzeit um uns herum, sie ist in uns und wartet nur darauf, freigesetzt zu werden.


Lassen Sie mich mit einem Zitat von Gustav Klimt selbst schließen:


"Kein Bereich des Lebens ist so klein und unbedeutend, dass er keinen Raum für künstlerische Bestrebungen bietet."
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