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LA MUSIQUE ET LA PANDÉMIE - LA PERTE DU RITUEL

L'AVÈNEMENT DE LA VIDÉO COMME SUBSTITUT AU CONCERT

Marco Carta - Classical Music

Musician, MedStudent
2nd February 2021

•INTRODUCTION •PERTE RITUELLE •IMPLICATIONS PSYCHOLOGIQUES •LA PRODUCTION AUDIOVISUELLE COMME OUTIL D'ÉTUDE •CONTEXTE SOCIAL •CONCLUSIONS

INTRODUCTION

La musique a toujours eu besoin, comme moyen d'expression, d'une chaîne d'éléments : la source sonore, le support aérien et un élément réceptif, l'auditeur. L'intérêt et la fascination de la musique réside certainement dans son expression non univoque et non universelle. Celui qui joue confie à une série de processus physiques, de raréfaction et de compression aérienne, un message chargé d'une composante émotionnelle. Ce processus physique suscite une réaction émotionnelle chez l'auditeur, notre public. L'émotion peut intercepter le sens profond impressionné par l'interprète ou prendre une vie autonome, éveillée par la succession des sons.


PERTE DE RITUEL

Cette dimension, à bien des égards impondérable, a été perdue avec la pandémie en raison d'une altération du fil conducteur de la communication. La musique nous est parvenue sans rituel, et surtout au milieu de beaucoup de bruit de fond. La même production de son a été dilatée avec la post-production, le montage et le téléchargement du contenu.


L'auditeur a perdu le concept d'attente, de préparation, de compagnie des autres dans l'expérience du concert. Nous avons aussi totalement perdu le silence qui précède l'attaque des morceaux : la musique apparaît sur les réseaux sociaux au milieu de tant d'autres contenus, publiés sans cesse. La musique classique a donc un langage structuré, et a parfois besoin de temps pour s'expliquer. Toutes les pièces ne commencent pas sur le ton du Premier Concerto pour piano de Tchaïkovski, et ne peuvent donc pas toutes s'imposer efficacement dans un environnement "bruyant". Par conséquent, beaucoup de musiciens se sont concentrés sur la quantité, pour essayer d'être présents juste assez pour être vus.


LES IMPLICATIONS PSYCHOLOGIQUES

Je me suis moi-même retrouvé à produire des vidéos plus fréquemment que d'habitude. Je l'ai fait en partie dans un esprit de partage (en faisant appel au rôle social de la musique) et en partie (beaucoup moins noblement) pour ne pas disparaître du radar de la féroce communauté des musiciens (et des guitaristes, en particulier). En même temps, j'ai remarqué une plus grande aspiration au perfectionnisme, en particulier au perfectionnisme technique. Je me suis moi-même retrouvé à produire des vidéos plus fréquemment que d'habitude. Je l'ai fait en partie dans un esprit de partage (en faisant appel au rôle social de la musique) et en partie (beaucoup moins noblement) pour ne pas disparaître du radar de la féroce communauté des musiciens (et des guitaristes, en particulier). En même temps, j'ai remarqué une plus grande aspiration au perfectionnisme, en particulier au perfectionnisme technique.


Cela a deux implications : une positive, qui pousse à améliorer ses performances, et une négative, qui alimente notre frustration dans la recherche de la performance "parfaite". S'enregistrer, et enregistrer de la musique en général, est un acte final. On ne peut pas donner son enregistrement à Internet, surtout si l'on est un musicien d'un certain niveau (ou un aspirant). C'était du moins la teneur des pensées qui me venaient à l'esprit et qui constituaient la base solide d'un burnout, bien que nuancé.


L'emballage du produit artistique a impliqué un "déplacement" énergique : la tension qui précède le début du concert a été perdue chez l'auditeur, tandis que chez le concertiste elle a été reproduite autant de fois que le nombre de prises nécessaires pour enregistrer le morceau (les "prises" sont les enregistrements uniques du morceau ou d'un seul passage de celui-ci, Ed). Cette tension dans le concert live se transforme en adrénaline, ce qui nous permet d'amorcer et de soutenir l'ensemble du récital. Dans la production vidéo, un état de nervosité demeure, qui ne se dissipe pas même lorsque le travail est terminé.


LA PRODUCTION AUDIOVISUELLE COMME INSTRUMENT D'ÉTUDE

Pour les besoins de l'étude, est-il logique de subir un tel niveau de stress ? La réponse n'est pas claire. Si c'est le cas, vous devez compléter vos connaissances. Le musicien doit avoir au moins des connaissances de base en production vidéo s'il doit travailler seul, et comme il est souvent étudiant, il ne peut pas se permettre de payer un professionnel de la vidéo. Si la réponse est non, les sous-traitants sont la solution ; l'aspect controversé est que, dans ce mode, l'absence (ou la réduction) de stress est "achetée".


Bien sûr, il y a d'autres raisons de s'inscrire, en dehors de la production de contenu pour un public numérique. En ce qui concerne le simple aspect instrumental, l'enregistrement est toujours une bonne chose. Il est notamment très utile lorsque vous l'approchez régulièrement. En effet, vous pouvez corriger toute inexactitude dans le tactus (c'est-à-dire la pulsation rythmique), vérifier que vous êtes fidèle à la partition et exprimer des idées musicales avec plus de conviction et d'efficacité. En ce sens, l'intégration de ce processus dans la routine d'étude est substantielle. Avec la supervision d'un professeur, il peut même aider à gérer le stress, causé à la fois par l'enregistrement et l'anxiété de la scène.


CONTEXTE SOCIAL

Directement lié au sujet ci-dessus (le stress), les réseaux sociaux. L'environnement des réseaux sociaux les plus populaires est un miroir déformé de la société "réelle". En fait, ils sont conçus de manière à nous maintenir collés à l'écran autant que possible par la répétition de contenus qui nous ressemblent. Ces affinités sont identifiées sur la base de nos recherches dans le réseau social, du contenu externe que nous partageons, des images ou vidéos que nous publions, de nos "coups de cœur". Cela signifie que nous nous trouvons, plutôt que devant la réalité, à l'intérieur d'une bulle, dans laquelle notre personnalité se répercute sur le contenu d'autres personnes qui nous ressemblent (source : documentaire "The Social Dilemma", réalisé par Jeff Orlowski).


Deuxièmement, l'environnement social est également surchargé de contenus (Facebook compte 2,60 milliards d'utilisateurs actifs par mois, Instagram 1 milliard - source : socialmediamarketing.it). Ces deux aspects font qu'il est très difficile d'émerger dans cette mer magnum, ainsi que d'élargir son public, car ce que nous publions a peu de chances de percer la "bulle" mentionnée ci-dessus.


Une réponse partielle peut être trouvée dans le parrainage, mais c'est (encore) une manière élitiste et controversée. Elle ne récompense pas nécessairement le mérite. Alors comment pouvons-nous surmonter cet obstacle, sachant que la frustration mentionnée ci-dessus est aggravée par le besoin d'approbation qui régit la mécanique de ces plates-formes ? En plus du jugement interne, il y a aussi le jugement externe des personnes qui verront, commenteront et partageront nos vidéos. On peut se demander à quel point l'approbation virtuelle peut être éphémère, mais il est difficile de prétendre qu'elle n'est pas un sujet central de notre époque.


CONCLUSIONS

Les réponses à ces questions et demandes sont certainement complexes, et chacun peut avoir une opinion légitime. Aujourd'hui plus que jamais, il faut stimuler la prise de conscience : je pense qu'il serait intéressant que le monde des artistes s'ouvre et communique avec le public. Le système, tel qu'il est aujourd'hui, doit être repensé dans notre approche. Si nous pouvons apprendre quelque chose de cette dimension numérique forcée de la musique, c'est sûrement l'intégration de l'enregistrement comme méthode d'étude.


Ensuite, l'acquisition d'outils pour s'exprimer par un langage vidéo codé et manipulable. Certains musiciens vont déjà dans ce sens, seuls ou avec l'aide de professionnels (je pense notamment aux récentes publications de Giulia Ballaré sur John Cage, dans lesquelles la vidéo commente et soutient la musique, ou aux productions de Caméra Musique). Bien sûr, il est également légitime (et peu exploré, à mon avis) de sortir de ce contexte, en poursuivant une carrière musicale plus traditionnelle, ou en expérimentant d'autres canaux.


Je vous laisse donc la balle à vous, les lecteurs, en espérant avoir ouvert une lueur sur certains aspects de la production artistique. J'espère que cela vous a intéressé : en général, j'aime entendre les gens parler de leur profession, et c'est sur ce sentiment que je me suis basé pour écrire. J'espère également que, à ma manière, cet éditorial sera un stimulant pour mettre en lumière de nouvelles questions et d'autres problèmes liés à la condition du musicien et de l'artiste en général. Je crois qu'en tant que communauté de l'art et du divertissement, nous pourrions être plus unis : peut-être que le chemin vers cette unité passe par l'ouverture sur nos propres problèmes.


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