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This article was automatically translated. ORIGINAL Re: LE PARCOURS D'UN MUSICIEN

L'art est un Travail

L'artiste dans les coulisses et l'art sous les projecteurs

Roberta Gennuso

Classical Guitarist
17th February 2021

L'article d'Alessandro a immédiatement attiré mon attention, à partir de cette déclaration : "Il arrive très souvent de considérer la performance d'un musicien de manière superficielle, en ne portant son attention que sur la performance [...]". Mon opinion à ce sujet est légèrement différente. En tant que musicien, je peux comprendre la quantité de travail qu'il y a derrière une représentation (aussi différente soit-elle), mais le fait est que ce travail n'est pris en considération - et par conséquent : critiqué, méprisé et aimé - que lorsqu'il est exprimé dans son intégralité : lorsque le travail est terminé.

Pour les musiciens, cela se passe lors d'un concert, tandis que pour les sculpteurs, par exemple, ce sera la sculpture exposée lors d'une exposition.


La pointe de l'iceberg est ce qui compte finalement

"Comme un iceberg dont on ne voit que la pointe, on ne considère pas pleinement le chemin que chaque musicien emprunte tout au long de sa vie"

C'est un concept clair, mais on oublie souvent qu'il peut être étendu à presque tous les domaines : par exemple, si le menuisier est maintenant capable de construire un meuble avec une certaine rapidité, ce sera parce qu'il a pratiqué et expérimenté cet autre art pendant une période de temps constante dans sa vie. En bref : il y a ceux qui sont plus chanceux, mais cela ne fonctionne pas ainsi dans l'art. Il faut travailler sérieusement et professionnellement, nous ne pouvons pas nous permettre d'être "les artistes avec la tête dans les nuages" simplement parce que ce serait à notre détriment et que la société nous considérerait comme n'ayant presque rien à faire et il ne peut en être ainsi, nous voulons diffuser l'art et vous ne pouvez pas le faire sans dignité.

Maintenant, j'ai fait une petite digression mais il faut "savoir vendre" : la partie de l'iceberg est la partie de notre travail que nous montrons, donc étant la seule à être exposée, nous devons en prendre soin et faire en sorte qu'elle soit très élevée!


Lors d'un concert, le chemin qui nous a amenés à bouger nos mains d'une certaine manière plutôt que d'une autre ne compte pas, voir les doigts bouger est le minimum pour l'auditeur, au contraire si cette note a ce son ou si une phrase brille d'une beauté étonnante, ce ne sera que grâce au chemin qui la précède ! Le parcours d'un artiste, s'il est riche, sera sûrement communiqué et, d'une manière ou d'une autre, arrivera dans l'esprit et le cœur de l'utilisateur. L'art reflète l'âme de la personne qui le crée et pour cette raison il est tout différent et de chaque interprète naît un art qui lui est propre. Donc quoi que ce soit, c'est le chemin qui donne de la valeur à l'artiste.
Malheureusement, "quoi qu'il arrive", vous ne pouvez rien dire et, personnellement, je ne peux pas justifier une mauvaise performance en pensant : "eh bien, il a dû passer beaucoup de temps à étudier". Je suis désolé, mais c'est une évidence. Pour des phrases d'accroche comme "le temps, c'est de l'argent", on ne peut aller nulle part : il faut du contenu, du contenu et du contenu.

Quand je vais écouter un concert ou simplement un CD sur Spotify, je PRÉTENDS qu'à la base il y a une étude précieuse, mais pas seulement parce que je suis l'utilisateur, mais parce que sinon la musique, si elle est vide, ne communique pas et souffre de l'ignorance de ceux qui la "répandent". J'ai utilisé le mot "prétendre" parce qu'un concert est un échange aussi sur le plan matériel : pour y assister, vous payez de l'argent, alors que dans le cas d'un accès gratuit (numérique ou non) ce qui compte c'est votre temps. Pourquoi si peu de gens sont-ils prêts à dépenser 15€ pour assister à un concert de musique classique ? Chaque dépense est un investissement humain, le raisonnement est le suivant : je paie de l'argent et qu'est-ce que j'obtiens en retour ?

Il n'y a pas de réponse absolue à cette question, mais je propose trois grands E:
L'ÉDUCATION à la beauté;
EMOTIONS;
EXPERIENCES.


La première explique pourquoi il est essentiel d'emmener les enfants voir les œuvres, visiter les musées, etc.

Ces deux derniers en particulier font que la vie vaut la peine d'être vécue.


Ne faisons pas en sorte que la partie émergée de l'iceberg soit seulement sur les médias sociaux

En ces temps, moi et qui sait combien d'autres comme moi, nous nous retrouvons à avoir "partagé" notre art sur le social parce que c'est l'un des rares moyens dont nous disposons. Oui, bien joué, MAIS cela se produit peut-être sans même avoir reçu de commentaires, de critiques ou de réactions. Alors, que faisons-nous ? Où est la joie de se produire ? Peut-être que ce n'est pas le bon endroit ? Qu'en est-il du public ? Surtout, y a-t-il un public ? Quelqu'un qui est intéressé et qui écoute attentivement ?

Faites-moi savoir si c'est le cas.

Il me semble que la nôtre n'est qu'une tentative de partage qui malheureusement ne fonctionne pas très bien : si je publie une vidéo dans laquelle je joue, je peux voir le nombre de vues mais d'écoute... qui m'en parle ?


Les réseaux sociaux nous donnent l'illusion d'être vus, l'illusion de pouvoir partager - même presque au même niveau que ceux qui sont déjà "célèbres" - mais la triste réalité est que tout se réduit à un défilement continu, à une succession de défilements et de dérapages : la pauvreté désoriente, le temps prend et jette. Le résultat ? Neurones anesthésiés.


Alors, dans l'espoir de revenir à faire autant de beauté "en direct", ne faisons pas la partie émergée de l'iceberg uniquement sur le plan social.




P.S. Merci Alessandro pour votre bel article,

Roberta


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